(暴风雨)意大利乔尔乔纳布上油画纵82×横73厘米威尼斯美术馆藏

此画描绘的是在古代建筑遗址上，坐着一位裸体少妇，肩上披一长巾，怀抱婴儿哺乳，一个少年牧人在画面的另一个角落，注视这个场面。画家力求表现出在遥远的天边暴风雨即将来临，而眼前则是山雨欲来、溪水林木浸润着奇妙的光与色的景象，烘托出音乐般丰富而协调的气氛。关于此画的题材与主题，研究者们众说纷纭，无法弄清画家的初衷。画中少妇美丽的胴体以风景为衬托，表现出一种静中有动、动静互补的氛围。

这是一幅充满神秘色彩的、高深莫测的油画，反映了乔尔乔内的一贯风格--对人间生活的美满想象力，宗教的神秘意味，趋于饱满的色彩，丰富的多重调子及抒情的诗意。《暴风雨》似乎寓意着一种天有不测风云的人与自然变化的关系，画中描绘一位吉卜赛裸女和孩子和士兵形成一种呼应，生动的背景传递出暴风雨即将来临的征兆。光与色的变化被描绘得非常出色，洋溢着一种神秘的诗意。画中风景充满画面已成为主体艺术形象，而人物逐渐降到陪衬地位，这预示着风景画从此独立的趋势。

乔尔乔纳(～)是意大利威尼斯画派的代表画家，生于卡多雷，卒于威尼斯。他师承贝利尼，画风受达·芬奇的影响，虽英年早逝，却对16世纪的威尼斯绘画有极大影响。他的艺术风格曾影响提香，特别是色彩运用和气氛烘托的技法，经提香发扬光大，成为威尼斯画派重要的艺术遗产。

乔尔乔内是威尼斯画派成熟时期的代表人物。关于他的生平记载很少，留存于世的作品也极为有限，得以证实仅有《卡斯特佛兰克的圣母》、《暴风雨》、《三个哲学家》、《国王之礼敬基督》等有限的几部；虽然数量少却均堪称稀世精品，而且其中更洋溢着一种神秘的难以琢磨的特色，于是後世称他为：“神秘画家”。

乔尔乔内对女性的裸体及景物的刻画极为见长——细腻中偏重柔美，据说这是他与佛罗伦萨大师达·芬奇切磋的结果。芬奇的“远近画法”深深地吸引了他，在他的作品中随处可见对远近景物的精心雕琢。

乔尔乔内与威尼斯画派的另一位大师提香是好友，他们共同分享艺术上的心得，共同在一起创作；提香为早逝的朋友的《睡着的维纳斯》、《田园合奏》做了补笔，并在艺术的道路上走得更远。他们都死于流行威尼斯的鼠疫，乔尔乔内那年刚刚32岁。

乔尔乔内的艺术成功之处在于始终致力于表现一种人与自然和谐的美、一种诗哲的意境，他突破了传统上人物奴役景色的画法，使绘画真正做到了情景交融，人景难分的高妙境界。深禀音乐天分的他，融入作品一种莫可名状的恬淡灵性，呼唤着田园牧歌式的情感回归，这一点是同时代的画家的作品中所不具有的。

《睡着的维纳斯》、《暴风雨》、《田园合奏》正是这种艺术风格的体现。《睡着的维纳斯》表现了侧卧在绿茵上美神，人间的诸般烦扰似乎都与她没有丝毫关系，酣然中有一丝绝妙的空灵；《暴风雨》中美少年与少妇的关系让人颇费心思，远处山雨欲来风满楼的景色使观者若有所思；《田园合奏》是画家最负盛名的作品，青年男女在田园牧场上纵情欢歌，跃动的生命从健康的肉体中迸发进而升华成一种对自然灵性的呼唤。

瓦萨利在他死後30年写道：“大自然赋予他如此轻而易举和顺利成功的天姿；他的油画和壁画中的色彩忽而活泼鲜明，忽而柔和平稳，并且把从明到暗的过渡画到如此程度，以至于当时的许多优秀大师都承认他是一个生来就使人体富有生气的画家。”他对大自然的色彩变化有着超凡的敏锐洞察能力和表现能力，他的目光能透过千变万化的阳光，捕捉到色彩变化的精髓，并且能生动地呈现在画布上。由于他画了美丽的威尼斯，人们这才发现威尼斯光彩绮丽的美，他用天才的笔触画出青翠的山坡和陡峭的悬崖，人们这才注意到威尼斯风景所呈现出的明暗差别，怪不得有人说威尼斯的美是乔尔乔内画出来的。

(众神聚宴)意大利贝利尼布上油画纵×横厘米华盛顿国家美术馆藏

此画描写几十位希腊神话中的神祗在野外聚宴的情景。其中有牧羊神、酒神、河神……他们围在一起，喝着酒、吃着果，场面宏大。人物刻画准确，形象生动。背景用深绿色大树来衬托出众神们鲜明的服饰，整幅画面色彩润泽，具有东方艺术富丽的色彩。

(唱歌的天使和圣母子)意大利波提切利板上蛋彩直径厘米达雷姆美术馆藏

此画中人物众多，均合理地安排在一个圆中。圣母子的表情肃穆而稍带忧心忡忡，圣母子周围的天使表情各异。这是画家典型的柔媚风格，恬静优美却不甜俗，很有艺术魅力。画面中线条的运用发挥得淋漓尽致，圣母头顶类似光环的光线和为刻画画面众多人物形象所勾勒的线条，都显示了画家作为文艺复兴早期最伟大的线条大师的卓绝才能。

(椅上的圣母)意大利拉斐尔板上油画直径71厘米佛罗伦萨彼蒂宫藏

这是拉斐尔所绘圣母像中十分著名的一幅。此画描绘出一位美丽、端庄、优雅、安详的年轻母亲，她穿着通俗的衣服，还包着一块花格头巾，神情举止给人一种温柔、贤惠之感，这就是拉斐尔所创造的有着时代生活气息的圣母形象。法国画家安格尔曾这样评述过拉斐尔的作品：“要我写出拉斐尔的全部品质和他那无可比拟的聪明才智，需要整本书和好几卷集子……拉斐尔所描绘的人物都是善良的，他笔下的所有人物都具有一副诚实人的外貌。”拉斐尔的一生画了许多圣母像，这些圣母像给他带来了巨大声誉。拉斐尔“圣母像”已不再是中世纪绘画艺术所表现的消瘦、痛苦、呆板之模样，而是显出恬静，安宁，慈祥、闲淑、秀美的神态，既能给人以美的感受和遐想，又能使人油然而生崇敬之情。拉斐尔的圣母画得实在太美了，每一幅都不同凡响，观者为之流连忘返。以致几百年后欧洲各地流传著一句赞美女人的话：“象拉斐尔的圣母一样。”

《椅上的圣母》是拉斐尔所有圣母像中流传最广的一幅，圣母满脸洋溢著幸福微笑看著人间，圣母慈祥，看著两婴儿戏耍，完全人性化，真是温馨动人！据说拉斐尔在朋友的宴会上看到了一位怀抱婴儿的年轻母亲，她脸上幸福的微笑使拉斐尔无比激动，当即从地上抓过一块木炭，把画稿打在了木桶的圆底上。拉斐尔就这样以他天才的灵感为我们留下了一幅无与伦比的经典之作。

拉斐尔特别著意于圣母的目光，人们常说眼睛是心灵的窗口，通过一双眼睛可以窥视到画中人的灵魂。拉斐尔画中的圣母情深意长，这双动人的目光令欣赏者感动。关于这双动人的目光，有个传说：有一次画家从梵蒂冈出来，在门口廊柱下见到一位抱着婴儿的少女，酷似他的心上人芙纳蕾娜，看到她的目光令他神魂颠倒，他满怀激情地拾起一块木炭，想把这动人的瞬间永驻在画布上，他环顾四周，见到旁边有一只朝天的空桶，画家没加考虑，就跑过去把桶翻过来，在桶底上急速地画下这位多情而美丽的少妇，有人认为《椅上的中圣母》的创作灵感源于此。

拉斐尔造型的色彩配置，基本仍遵循基督教的观念，以红、蓝两色为基调。因为在基督教中，红色是象征天主的圣爱，蓝色是象征天主的真理。所以在宗教画中，圣母的衣著一般以红蓝两色相配搭。在这幅画中，圣母上衣为红色，斗篷为蓝色，小耶稣的黄色上衣，与圣母衣著的红、蓝色构成了调和的三原色，从而强化了艳丽的色彩和画面的华贵。在拉斐尔所处的年代，流行一种新柏拉图主义的哲学思潮，既主张美是不生不灭的永恒，也在艺术中追求理想美的创造。而在人文主义大师们的艺术创造中，更为重视的是对生活美的发现，他们在艺术描绘的一切美中都具有现实美感。

拉斐尔极善运用曲线塑造形象，这幅画从画幅圆形外框到人物的组合、体态、衣著、褶纹都以长短不等的各种曲线构成，整个画面形象给观赏者以丰满、柔润与高度和谐的完美之感.

(爱神丘比特的教育)意大利柯列乔布上油画纵15.4×横90.8厘米伦敦国家美术馆藏

这幅画最明显的特征就在于对肉体的讴歌。画面右侧的墨丘利,即为希腊神话中的赫耳墨斯，是宙斯和迈亚的儿子。传说他行走如飞，多才多艺，并首创字母、数字和天文学等。他正在耐心地教诲小天使丘比特。站在一旁的维纳斯神情喜悦，姿态优雅。所有人物被笼罩在一种艳丽的雾气中。画家不仅描绘了轻松、欢愉、富于肉体感、充满了娇媚与潇洒气质的形象，而且运用绚烂的色彩、强烈的光线和细致入微的明暗衬托，使画面洋溢着质朴、抒情的生活气息和田园风情，从而表现了画家对神话题材不拘绳墨的处理。

(酒神的狂欢)意大利提香布上油画纵×横厘米马德里普拉多博物馆藏

在这幅作品中，酒神与人们尽情狂饮，沉浸在一片爱的温馨之中。为了表现美丽的裸女形象，画家把人物放在优美的大自然之中。画面右下角仰面卧躺着山林女神，似乎酒醉未醒，尽情地展露着自己的裸体。她那丰满柔润的身体，像一朵盛开的生命之花，为酒神节注入了人性的欢乐。提香的裸女大都以圆润丰满来取悦欣赏者的视觉，令人陶醉，形成了他那独有的“健美风格”。

提香·韦切利奥(约～)是意大利文艺复兴盛期威尼斯画派中最杰出的代表，人物风景无所不精，尤以色彩见长。他一生创作了五百余件作品，对于欧洲后来的绘画有很大影响。在上层社会里，他的作品是最有声望的，同时他与威尼斯进步的人文主义学者又有广泛的交际。他反对教会专权，在最反动的年代，坚决维护民族尊严。他无论是前期还是后期的作品，都通过对人的活动与性格的表现，来实现现实主义艺术的意义。威尼斯画派崇尚色彩，而提香的色彩表现力已达这一画派的顶峰

(大使们)德国荷尔拜因板上蛋彩纵×横.5厘米伦敦国家美术馆藏

这是荷尔拜因纪念碑式的不朽之作。画中描绘的是法国驻英国大使约翰·德·狄特威尔和他的朋友乔治·德·赛尔夫主教。画家锐利的观察力和无可挑剔的表现力，在这幅肖像画中得到实证。狄特威尔大使那富有个性特征的文雅风度和主教那种略带沉思的目光，在画家的笔下，刻画得恰如其分。此外，室内摆设的各式各样的道具，有关世界知识的各种仪表器具，以及乐器、书籍等细节的描绘，是为了衬托出两位人物的聪明才智。画家竭尽技巧，充分表现了这位大使和他的朋友的形象。这幅作品被历来的评论家认为是无懈可击地完整、精细和耐人寻味。

小汉斯·荷尔拜因(约～)是文艺复兴时期德国画家，幼时在故乡奥格斯堡跟父亲学画。18岁时迁居瑞士巴塞尔，在那里确立了他的艺术道路。他所作的肖像画轮廓清晰准确，宗教画和雕版画都充满现实主义精神，画面明快雄伟，构图气势宏大。在这一时期，他作了许多巴塞尔市民画像，这些肖像画都以性格真实、素描严谨、色彩饱满而著称。荷尔拜因在他的画像中经常强调表现人物内在的美、信念和活力。他的肖像画以冷静、客观、“就是这个样子”著称。

(毛纺工场)意大利卡瓦洛里板上油画纵×横86厘米佛罗伦萨老宫藏

此画由近及远地再现了当时佛罗伦萨毛纺工场中，工人们清洗羊毛的劳作过程。在迎合当时宫廷审美情趣,以宗教题材及神话传说为主的矫饰主义风潮中，能像此画一样反映下层劳动人民生活的画作是极其罕见的。但画面仍旧未能脱离矫饰主义的桎梏，画中人物动作过于僵硬而失自然，有些姿势呈现出一种静止的雕塑感。人物身体的描绘趋于一种表象化的空虚，缺少内在精神与力量的体现。过于装饰性的光照效果，使人物如置身舞台一般，从而缺乏亲和力与震撼力，不能不说是一种遗憾。

米拉贝洛·卡瓦洛里(～)是佛罗伦萨画家，也是迪塞罗学院的奠基人之一。画风受意大利矫饰主义画家蓬托尔莫的影响，追求雕塑性的形体与表象的夸张。

(农民的婚宴)尼德兰勃鲁盖尔板上油画纵×横厘米维也纳艺术史美术馆藏

画家在表现农民形象时，总有几分夸张，将他们的形象塑造得诙谐有趣，所以人们称他为“滑稽的勃鲁盖尔”。画家常和他的朋友一起参加农民的节日活动和婚礼。此画就是他参加农民婚俗生活的一个场面，这里参加婚礼的宾客脸上并没有欢乐情绪，一切比较静穆，坐着的和站着奏风琴的农民都不够俏皮。画家似乎隐喻这些善良的农民对于世事、对于当前一触即发的宗教事件，几乎持一种静观的态度，反映了人们内心的警觉状态。

(约翰内斯·库斯皮尼安博士)德国克拉纳赫板上油画纵59×横45厘米温特图尔·赖因哈特收藏馆藏

在这幅肖像的刻画上，画家把主要注意力放在作家那异常生动的、善于遐思的表情上。他拿着一本厚厚的书，两眼炯炯有神，凝视着远方。人物不修边幅，毛皮领大衣敞开着，头发蓬松，帽子也没有戴正，这一切有趣的细节描写，突出了人物的性格特征。

(圣母子与圣安妮)意大利达芬奇板上油画纵.5×横厘米巴黎卢浮宫藏

此画描绘圣母玛利亚的母亲圣安妮，她膝上坐着怀抱基督的圣母。基督正抓着一头小羊羔并试图骑上它，一边还调皮地望着母亲，而外祖母正微笑地注视着可爱的小外孙。整个画面洋溢着圣家族天伦之乐的欢快情绪。画面构图的严密和人物神态的和谐都是前所未见，被誉为艺术奇迹。他的这种构图原理和轻柔如烟的笔法对佛罗伦萨艺术界影响极大，米开朗基罗和拉斐尔深受其惠。

达芬奇擅长于以炭笔和色粉两种工具交换使用来绘画。他的素描往往形象饱满，光线柔和，立体感极强。画面上好像被蒙上一层薄雾，圣母女两人就在这种雾一般的环境中相对地微笑着。加上画家选用的是青灰色画纸，因而炭笔所形成的朦胧感，又有一种月光下的大气感。

《圣母子与圣安妮》绘画的传神，如果仔细观察，达芬奇的圣安妮与圣母子，三个人的眼神是各不相同，圣安妮是慈祥，圣母是摒弃感情的圣洁，而圣子则是超越年龄和活动的慈爱和坚毅。这种细致的刻画，将这一幅与其他家庭场景区分开来，看到他的人会第一时间感到它的与众不同，亦是不可言喻的神圣和光辉充满画面。

年达芬奇出游曼图亚和威尼斯等地，年回到佛罗伦萨。随着共和制度的恢复，文化气氛一度活跃，画坛上也先后出现了米开朗琪罗、拉斐尔等杰出人物。他向市民展出的这幅经过精心构思的《圣母子与圣安妮》素描草图。

这幅画在板上的油画与当年那幅素描虽属于同一构思(油画现藏于巴黎卢浮美术宫，尺寸为×厘米)，但比较起来显然不如素描来得亲切和诗意盎然些。这主要是人物的安排过分受限于构图，形式感考虑得多了些。在这里，画家让圣母圣母坐在她母亲的膝上，外祖母圣安妮虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安妮脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙——耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上。)而发出的，圣母倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。圣家族这一类圣经题材，在宗教壁画中是最常用的，因人而异，画家们各有自己的表现特色。达·芬奇在这一幅油画上的重点是放在圣安妮这一形象上，尤其是精心刻绘她的脸部表情。尽管这里再一次暴露出他的女性的微笑公式，但作为达·芬奇的现实主义的美学最高理想，他几乎象对待自然界一切未知之谜一样地去追求它。他曾说过：自然是那么博人欢心，那么多形形色色,取之不尽，即便是同一品种的树，也决不会遇到这一棵与那一棵完全相似，……人也不会碰到这一个与另一个丝毫不差的模样。达·芬奇要求画家作自然的儿子。在他看来，科学与艺术，同属于认识世界的过程。这也是意大利文艺复兴时期绘画的价值所在。

画中不知是晨曦还是暮光，它用自己阴暗的外袍、温柔的轮廓、模糊的边界笼罩了一切。它有足够的时间。它仿佛一个活的生物，被我们滋养和安抚，从而帮助我们从一种状态过度到另一种状态。从白昼到夜晚，从夜晚到白昼，从童年到成年，从老年到纯真。光线的变化解放了我们的限制。风景的线条在摇曳。一切都未完全定型。轮廓的线条承认，它们还不足以建立起真正的存在感。它们会消解。不过这些生命还是会存在。实际上，是她们的不稳定感让她们得以存活。莱昂纳多观察到自然的现象，观察到它恒定的脉动，它存在的证明的变化与不变。有一名女子，另一名年轻些的，伏在她膝上，然后是一个孩子在后者怀抱中。还有孩子抱着的羊。人物一个接一个，按着辈分和季节，身体都微微弯屈，彼此有着类似的微笑；从时间开始的时候，这些表情就在一个特别的家庭里传递。

母亲，圣安妮，在看着自己的女儿；玛利亚，看着自己的儿子，耶稣。她将来必须让他长大，离开家。但是他现在在这里，与这只羊羔一起玩，抓着它的耳朵。他的动作很自然，就像随便一个刚发现新玩具或是玩伴的小孩子一样，是自发的。他抓住它，然后转头给自己的母亲看。但是这孩子与众不同。他知道自己的未来是什么。他象征“上帝之道”。身边的世界正是圣经的直观表示，不多也不少。他对这些的理解如同一本打开的书。他的同伴，是一个熟悉的动物，同时也是纯真的象征，是按惯例要献给上帝的牺牲品。我们这里看到的，是一个牺牲的图像，是描绘着正在准备的仪式的图画。

达芬奇强调照在婴孩和他母亲身上的光，而不仅仅是他们的脸。他还点出她们的意识程度，以及天界在她们的思绪上投射的光所能到达的境界。在画面正中央，是她们交换的目光。在任何日常生活场景中，孩子总是会寻求母亲的赞同，或者就是她的